V.A. Mozart Symphony No. 40
L'une des œuvres instrumentales les plus percutantes et les plus connues, le trésor de la musique classique est la symphonie n ° 40 de Mozart. Elle entre dans un triptyque symphonique écrit dans un souffle à l'été 1788. Les symphonies 39, 40 et 41 ("Jupiter") incarnent la pensée musicale mature du compositeur. Elles perpétuent simultanément les traditions de Bach et de Haendel et anticipent le lyrisme spirituel des romantiques.
La Symphonie n ° 40 est l’une des œuvres les plus incompréhensibles et, en même temps, compréhensible pour tous, à un niveau personnel. Il contient un drame d'opéra développé et profond et un psychologisme subtil inhérent à la langue de Mozart, motif de la danse folklorique tchèque et d'un style savant sophistiqué.
Joseph Haydn, le meilleur ami de Mozart, son compagnon aîné, a tout expliqué sur le caractère émotionnel de la musique de Wolfgang: "Il est tellement éclairé dans le domaine des sentiments humains qu’il semble en être le créateur, alors seuls les gens les ont maîtrisés."
L'histoire de la Symphonie n ° 40 de Mozart et le contenu de cette œuvre sont sur notre page.
Histoire de la création
L’histoire n’a pas conservé de documents permettant de juger l’idée de créer les 3 symphonies issues de la plume de Mozart cet été. Ils n'étaient pas écrits sur commande. L’auteur avait probablement prévu de les interpréter à l’automne et à l’hiver lors des «académies». Pendant cette période de sa vie, le compositeur était déjà dans le besoin et espérait gagner des concerts "par abonnement". Cependant, les rêves ne se sont pas réalisés, les concerts n'ont jamais été donnés et les symphonies ont été jouées pendant la vie de l'auteur.
Toutes ont été écrites dans les plus brefs délais, il convient de souligner l'été. Les disciples sont partis, Constanta à Baden. Non limité par la portée de la commande, Wolfgang peut créer à sa guise, concrétisant toute intention artistique.
Et Mozart, en véritable innovateur, a respecté cette liberté de choix. En soi, le genre symphonique est passé d’un petit économiseur d’écran musical conçu pour informer le public que l’opéra commence, et qu’il est temps d’arrêter de parler, à une pièce orchestrale distincte.
En travaillant sur la symphonie en sol mineur, Mozart élargit considérablement les frontières dramatiques du genre. Le père, Léopold Mozart, depuis son enfance a inspiré l'idée que la base de toute œuvre devrait être une conception de haut niveau, l'idée, la technique est secondaire, mais sans elle, le concept dans son ensemble ne vaut pas un sou. Pour la première fois dans cette symphonie, Wolfgang se permet de communiquer avec l'auditeur, il raconte sincèrement "sans paroles inutiles" et même quelque part dans un aveu intime. Une telle manière était fondamentalement différente du concert froid et du caractère académique, adoptés à cette époque et compréhensibles par le public à cette époque.
Ce travail n'a été véritablement apprécié qu'au 19ème siècle, lorsque les symphonies de Beethoven et de Schumann étaient déjà pleinement interprétées, lorsque le romantisme subtil de Chopin est devenu habituel.
Le choix de la clé mineure, le rejet de la lente introduction introduisent immédiatement le genre de divertissement dans l’inconnu. Il n'y a pas de solennité, pas de sens de la fête dans l'orchestre (il n'y a pas de trompettes et de trompes dans l'orchestre), pas de "messe", malgré le son orchestral. La symphonie, pleine de changements d'humeur et de thèmes anxieux, de contrastes et de fusions, raconte les expériences personnelles profondes d'une personne et trouve donc invariablement une réponse dans l'âme de chaque auditeur. En même temps, il reste le style général délicat et galant correspondant à ce siècle.
Peu de temps avant sa mort, trois ans après sa création, Mozart apporta des modifications à la partition en introduisant des clarinettes dans la composition orchestrale et en modifiant légèrement la partie pour hautbois.
Traitement moderne
L'interprétation la plus proche de l'interprétation originale est considérée comme étant la symphonie g-moll de chefs tels que Trevor Pinnock, Christopher Hogwood, Mark Minkowski, John Eliot Gardiner, Roger Norrington et Nikolaus Arnoncourt.
Cependant, il existe de nombreux traitements modernes de ce travail:
The Swingle Singers - exécution inhabituelle d'une œuvre symphonique par un célèbre ensemble de chanteurs. (écoute)
Version du musicien, arrangeur et producteur de musique allemand Anthony Ventura. (écoute)
Le guitariste français Nicolas de Angelis (écouter)
Waldo De Los Rios est un compositeur, chef d'orchestre et arrangeur argentin. Son traitement a été enregistré en 1971 par l'orchestre de Manuel de Falla et a pris la première place dans les charts hollandais. Il est également entré dans le top 10 dans plusieurs autres pays européens. (écoute)
Le contenu
Le nombre exact de symphonies écrites par Mozart ne peut pas être établi, beaucoup d’entre elles étant écrites à l’adolescence sont perdues à jamais (nombre approximatif de 50). Mais dans la mineure, seul le quarantième sonne (et un autre, le n ° 25, dans la même tonalité).
La symphonie est traditionnelle pour cette époque. 4 formulaire privécependant, elle n’a pas d’introduction, elle commence immédiatement par fête principale, ce qui n’est pas typique du canon de l’époque. La mélodie de la partie principale est le motif le plus populaire au monde, une sorte de carte de visite du compositeur. Le jeu latéral, contrairement à la tradition, n’exerce pas un contraste net, mais sonne plus langoureux, mystérieux et léger (grâce au major). La sonate allegro de la première partie obtient presque un développement complet: les violons solos de la partie principale, le rythme du classeur, une légère illumination exécutée par les bois (hautbois, clarinettes) de la partie secondaire, tout cela se développe vivement et un conflit apparaît dans la partie finale, qui ne fait qu'augmenter avec la tension . Reprise ne permet pas la résolution de ce conflit, même une partie secondaire acquiert un personnage mineur. Le son général devient même sombre, rappel de la frustration, du caractère déraisonnable des pulsions, de la souffrance inconsolable.
Deuxième partie, comme un calme après une tempête, joué à un rythme tranquille (andante), nature calme et contemplative. Apparaît la pacification, la mélodie devient mélodieuse, il n'y a plus de contrastes. Le son symbolise la lumière et l'esprit. La forme générale de la pièce est encore une fois la sonate, mais en raison du manque d’opposition aux thèmes principaux, elle est ressentie comme un développement continu. Les tissus musicaux, y compris plusieurs tours sémantiques, se développent continuellement, atteignant un paroxysme dans le développement et l’approbation de la reprise. Certaines phrases de souffle sont similaires à la nature pastorale.
Malgré le nom 3ème partie - Menuetto ("Menuet"), ce n’est pas du tout une danse. La taille en trois parties met plutôt l'accent sur la marche et la sévérité du son. La répétition difficile et persistante de la figure rythmique inspire anxiété et peur. Comme une superpuissance irrésistible, froide et sans âme, menace le châtiment.
Le thème du trio s’éloigne des menaces menaçantes du menuet et s’apparente même, dans une certaine mesure, au personnage de la danse légère. La mélodie, en sol majeur, est brillante, ensoleillée et chaude. Il est déclenché par les extrêmes extrêmes, ce qui donne encore plus d'expression à ce contraste.
Retourner en sol mineur semble revenir au présent, le déchirant des rêves, le tirant d'un rêve enivrant et préparant le final dramatique d'une symphonie.
4ème partie finale ("Allegro assai") est écrit sous forme de sonate. La prédominance absolue du thème principal, jouée à un rythme rapide, balaie sur son chemin les mélodies et les phrases des thèmes enchaînés et côte à côte qui se posent ici et là. Le développement connaît un développement rapide et rapide. La nature énergique de la musique tend vers le point culminant dramatique de l'ensemble de l'œuvre. Contraste lumineux entre thèmes, développement polyphonique et harmonique, appels successifs entre instruments - tout se précipite vers l’inévitable finale avec un flux incontrôlé.
Ce développement spectaculaire des images tout au long du travail est une caractéristique de Mozart, qui distingue sa symphonie.
Génie Mozart dans cette symphonie incarnée et en même temps devenue immortelle. Vraiment, il n'y a pas d'autre symphonie comparable en popularité à celle-ci. Comme le sourire de Gioconda, la simplicité cache trop de secrets que l’humanité peut percer pendant des siècles. Au contact de telles œuvres, vous pensez que Dieu lui-même parle à un homme à travers le talent de son élu.
Nous avons le plaisir de vous proposer un orchestre symphonique pour l'interprétation de la "Symphonie n ° 40" lors de votre événement.
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